El arte de lo efímero...

El arrodillado no es Miguel Ángel pero el material-soporte de esta obra si es parte del florentino. Una calle cualquiera, de no cualquier ciudad, perdón Ciudad con mayúsculas. Renacimiento, Miguel Ángel, David, Giotto, Uffici, Los Médicis, el Arno, la Santa Croce, Donatello... sería larga y de altura la lista de palabras que confluyen en una Ciudad única: FLORENCIA.

¿No merece este chaval al menos una moneda? A veces dudo si darla ya que si se hace rico, esto no lo vuelve a hacer, pero merece la pena reconocerle este buen trabajo.

''Sagrada Familia" (Tondo Doni)

Miguel Ángel, Hacia 1503

Óleo y temple sobre madera - Renacimiento

120 cm × 120 cm

Galería Uffizi, Florencia, Italia

Si queréis tener más datos sobre esta obra podéis pinchar aquí.

Nos seguiremos leyendo...

Pasó el verano...

Pasó el verano o está terminando de pasar... Mi compañero del blog apariencias y virtualidades, (el cual recomiendo visitar(esto vale por un café)) (pincha aquí para visitarlo) me sugiere que al menos suba alguna foto. Ciertamente me queda mucho que aprender sobre fotografía, esto ya os lo anticipo yo, pero os voy a adjuntar algunas fotografías en esta nueva etapa del arquitrabe. Sin querer alejarnos de la parte historico-artística añadiré unas fotos particulares de fiestas populares. Bueno según parece, la "fiesta nacional" queda excluída curiosamente de las fiestas populares ya que se considera una fiesta popular aquella que nace del pueblo y no hay que pagar para disfrutarla (buena opción para estos tiempos). Aquí entra un poco las definiciones teóricas y técnicas pero desde este punto de vista, por lo de la gratuidad, en mi caso si la podría definir como fiesta popular. Sin más, añado unas fotografías que dicen mucho más que mis palabras y resumen parte de mi verano.

Un saludo y continuamos...

El Reina Sofía...

Copio un artículo de interés aparecido en El País...

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Reina/Sofia/hace/revolucion/elpepicul/20090319elpepicul_1/Tes

Un nuevo paseo por el arte moderno

El Reina Sofía hace su revolución

El museo rompe las fronteras en la reordenación de su colección permanente

ÁNGELES GARCÍA / IKER SEISDEDOS - Madrid - 19/03/2009

El Museo del Prado ha puesto a disposición, como adelantó ayer este diario, las series de grabados de

Goya Los caprichos y Los desastres de la guerra para que Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, seleccione una decena y los incorpore en régimen de depósito a la colección per

manente. La novedad, que cabe calificar de histórica al incluir obra anterior a 1881, fecha de nacimiento de Picasso y corte establecido por la ley para sus contenidos, es la vistosa pu

nta del iceberg de la importante remodelación que se está gestando del centro de arte moderno.

Cuando a finales de mayo el Reina Sofía muestre al público los cambios en la colección, muchos buscarán al genio aragonés en las salas dedicadas a la España negra y al esperpento. Pero hay más. Se está alterando el recorrido, la iluminación, que se eleva, y hasta el área expositiva. En total, 39 salas en 6.000 metros cuadrados. La segunda planta del edificio Sabatini acogerá las vanguardias históricas hasta los años treinta. Una parte de la cuarta se dedicará los cincuenta. Dos espacios (planta baja y primera) de la ampliación de Jean Nouvel serán los lugares destinados al arte desde los sesenta hasta hoy.

Aunque el cambio fundamental es de mentalidad. Borja-Villel está dispuesto a contar su "historia del arte desde España". Y lo hará con abundante material fotográfico y cinematográfico. Sin miedo al anacronismo y a la confrontación poco ortodoxa. Eso sí, siempre con fines pedagógicos. Rescatará obras de los depósitos y llevará una meditada política de compras.

LA NARRACIÓN. Adiós al canon

Borja-Villel explica su reordenación con un recurso a "las planchas" del crítico de arte, etnólogo y excéntrico aventurero Aby Warburg. Se superponen los conceptos. "No es una gran narrativa, sino un cúmulo de micronarraciones", aclara. En su visión "nada formalista del arte", hay cabida para los anacronismos y los saltos espacio-temporales. Una escultura de Medardo Rosso puede convivir perfectamente con el retrato de una mujer de Anglada Camarasa. Y la negrura de Goya debe explicar a Gutiérrez Solana. El resultado es un recorrido personal por el arte moderno en el que las épocas y las escuelas artísticas son entes permeables si ello es necesario para narrar una historia. "Eso no lo hace ningún museo de arte moderno del mundo. Lo digo como un hecho objetivo", zanja Borja-Villel.

CINE Y FOTOGRAFÍA. Los inesperados vecinos

En el espacio dedicado al cubismo, una película de Buster Keaton en la que una vivienda se descompone en varios planos ante el empuje de la fuerza del viento (Una semana, de 1920) es el complemento perfecto para explicar la corriente. El cine y la fotografía irrumpen con fuerza en el Reina Sofía. La guerra ha terminado, película de Alain Resnais, campa a sus anchas en las salas dedicadas al arte posterior a los sesenta como una metáfora de un momento crucial "en el que se escenifica una ruptura, un cambio de paradigma político artístico y social...". "Es el final de una noción clásica de vanguardia. Aparece el happening, el pop y las disciplinas se interconectan", explicaba recientemente Borja-Villel en las nuevas salas de la remodelación de Nouvel.

DESDE LOS AÑOS CINCUENTA. Un mundo nuevo

Hay una intención descarada en la decisión de llevarse a otro edificio la revolución surgida en los años sesenta y las que le siguieron hasta nuestros días. Esta parte de la colección solía estar en la planta cuarta del edificio Sabatini, que con el cambio también albergará exposiciones temporales. A partir de ahora, piezas de Saura, Arroyo, Sol LeWitt o Donald Judd habitarán el nuevo edificio de Nouvel. Por cambiar, Borja-Villel quiere alterar hasta el suelo de terrazo jaspeado, que será sustituido presumiblemente por una tarima gris o madera. "Había que hacer un salto físico, de un edificio a otro, para marcar la distancia, la ruptura que sigue a los años cincuenta, una década de oro en el arte español, que pudo haber sido y no fue", explica el director.

LORCA, BUÑUEL Y DALÍ. Tres genios en compañía

La generación del 27 tuvo una máxima fundamental: aprender a leer lo que no está escrito. En los hígados, en los planetas y hasta en los árboles. Esa máxima inspira también la remodelación del Reina Sofía. Como corresponde a la intención de "contar nuestra historia del mundo, pero no de un modo localista", el plan reúne a los genios en una misma sala que preside el óleo Tres figuras, de Dalí. En una pared, una proyección del ojo rasgado de Un perro andaluz contempla las trayectorias fascinantes y diversas del trío. El Buñuel cineasta se exhibe también como prosista. Lorca, siempre poeta y dramaturgo, cultivó prolíficamente el dibujo, y de Dalí, el pintor, no se obvia su dimensión en el cine o la escritura.

NUEVAS INCORPORACIONES. Compras y rescates

Borja-Villel lleva meses investigando en los fondos del museo. Redescubriendo fotografías, pinturas o esculturas que merecen ver la luz y, sobre todo, ser vistas por los visitantes del museo. Sin ir más lejos, casi todo el fondo de imágenes de la nueva ordenación estaba hasta ahora inédito.

También supervisa las compras del centro. Los cambios le están permitiendo observar las lagunas que a su juicio tiene la colección y subsanarlas con adquisiciones "importantes". "La parte que más fallos tenía es la de la década de los sesenta y setenta, y también la que llega hasta la actualidad", explica. Entre las compras recientes, destacan dos inquietantes y delicadas cabezas de Medardo Rosso, "varios picabias, tres objetos de Marcel Duchamp, un tàpies y mucha obra contemporánea".

UNA HISTORIA CAMBIANTE. El principio del sur

"Las fronteras entre la colección permanente y las temporales también se diluyen", explica el director del Reina Sofía. El mejor ejemplo de ello lo fija en la muestra El principio potosí, prevista para 2010 y centrada en el arte colonial de los siglos XVI al XVII. Ésta permitirá a Borja-Villel colocar el principio de la modernidad en la conquista de América, precisamente ahora, que se cumplen dos siglos de las primeras emancipaciones de Latinoamérica. El planteamiento implica "una cartografía distinta porque incluye otras geografías". "La colección irá cambiando según se avancen las investigaciones", continúa. ¿Y se entenderá tanta mutación? "No todo el mundo quedará satisfecho, como sucede cuando a uno le hacen un retrato. Pero como mínimo, se creará un debate interesante".

El escollo figurativo

El Reina Sofía ha tenido siempre una relación difícil con la figuración española del siglo XX, de la que Antonio López y Carmen Laffón son sus exponentes más reconocidos. En el debate entre abstractos y realistas, el artista de Tomelloso reivindicó la figuración hasta el punto de convertirse en el máximo referente del hiperrealismo español. En el sur de España, Laffón �el Reina Sofía organizó en 1992 una retrospectiva de la artista� se sumó al carro del realismo.

Ya en la etapa de María Corral, no tuvo el papel que sus protagonistas consideraban que les correspondía. La situación se subsanó algo con la anterior responsable, Ana Martínez de Aguilar. De momento, Borja-Villel no acaba de tener claro dónde los ubicará en la reordenación. ¿Con la nueva objetividad de los años veinte? La última posibilidad que baraja es incluirlos junto a los grandes movimientos de los sesenta: el arte pop, el arte conceptual o el minimal, en la parte que se ubica en el edificio de Nouvel.

Sobre Larios

Un buen amigo dice que a "Europa se entra por Calle Larios". La remodelación de esta calle malagueña ha conllevado consigo un cambio en la mentalidad y uso del concepto de via vertebradora del centro urbano. Los materiales usados han sido los más nobles posibles y derivó en elevarse el precio del metro cuadrado a cifras desorbitadas, incluso algún periódico señaló que estaba entre las calles más caras de Europa.En los últimos meses hemos visto como varias exposiciones han tomado esta calle. Aqui es donde quiero que razonemos todos, sin llegar a ninguna conclusión pero hablando en voz alta. ¿Estamos acercando el Arte a nuestro ir y venir cotidiano? Podemos ver diversas interpretaciones de lo que está ocurriendo en Larios.

Estudiemos pues, por ejemplo, "el público": ¿a quién está dirigida esta exposición? No se caracteriza esta zona precisamente por ser una calle donde habitan muchas familias sino principalmente enfocada a comercios, oficinas y eso si, un pasillo aglutinador de los grandes eventos de nuestra ciudad. Para que algo tenga importancia tiene que pasar por Larios. Fundamentalmente el público no es experto en arte, por tanto esa muestra es una llamada e integración de la escultura en este caso en la vida cotidiana. El rango de edad y profesional viene marcado por la franja horaria, no es el mismo público un miércoles a las 10'00 de la mañana que un sábado a las 4 de la madrugada, aunque sinceramente el de las 4 ya no sabe lo que ve. Una exposición temporal abierta 24 horas por lo cual genera que el público sea numeroso. No hay que ir al museo sino el museo viene a nosotros. La instalación es sencilla, eso si necesita de un mínimo requisito de etiquetado e iluminación aunque atendiendo a esto último sea un poco deficiente. La iluminación se limita a luz natural durante las horas solares y luz artificial durante la carencia solar. Los puntos de luz están situados en las farolas por lo cual las limitaciones de una correcta iluminación son complicadas. Es una iluminación estandar que hemos tenido ya en muestras anteriores que una vez más provoca brillos y se pierde volumen en algunas piezas. Esta es una de las partes más complicadas y carentes de esta serie de muestra.

La seguridad de la exposición se limita a la buena voluntad del público. Durante el día, la "sala" tiene la seguridad cotidiana del personal de la Policía Local combinado con el sistema de cámaras, aunque en este caso nos encontramos con una actitud distinta, "se ruega tocar". Esto hace despertar un sentido poco explotado en las muestras, el sentido del tacto. ¿Os imaginais poder tocar a la Proserpina Borghese? Claro está el problema de conservación que tendríamos a la semana de dar libertad para ello y quizás nos sintieramos fustrados al comprobar que es mármol y no la diva de nuestra vida que creemos totalmente encarnada.

Esta exposición temporal está organizada como si estuviera en un noble edificio. Las piezas guardan una organización gerárquica al igual que se pudieran haber dispuesto en un museo. En la entrada sur de Larios, una pieza de tamaño llamativo es la carta de presentación de la monográfica y el resto está dispuesto en dos ejes que suben la calle dejando el suficiente espacio para la circulación y contemplación de las grandes piezas.

Podrían ser muchos más los puntos para analizar pero quizás si sigo engordando el post llegará un momento que dejaréis de leerlo... Quedan las demás reflexiones para la cafetería.

Sobre Belleza...

Compárese...
Disfrútese...

Son vísperas...

Quedémonos con las vísperas, con ese temblor de espera, con ese desperezo de capullo que ya no es yema y que ni aún es rosa. Quedémonos entre dos luces de aguardo, de una especie de impaciente lubrican , en las veras de la aurora. Estos días que ahora vivimos, tiene ese sabor de andén, en que ya sentimos el ruido de la máquina del tren, desde el que ya oímos su lejano pitido. ¡ Qué hay más grande que una espera, cuando se sabe que esa espera desembocará en la dicha plena! Nada.

Quedémonos aquí, cuando Sevilla, la Jerusalén del mundo, es la única que conoce el secreto de los Evangelios escritos para manueses callejeros, que se repartieron por los días de la ciudad. Ahora la caricia no tiene manos ni paisaje para desarrollarse, son vísperas.

Quedémonos aquí cuando la ciudad se llena las manos de flores, de velas, de detalles de última hora. Cuando vemos pasar a Sevilla en el trajín de las vísperas de la Pasión. Nada, por más grande que sea la dicha vivida, nos lo iguala. Mirémonos, pensemos en nosotros, sin salir más allá de nuestra unicidad. ¿Cómo estamos viviendo todos estos días? Como un niño aguarda un día señalado de primera comunión, como un novillero apura las horas en el hotel, como un jardín pasa hojas de noche a la espera de cubrirse una mañana entero, a la luz de un sol, que aunque sabe que vendrá nunca sabe exactamente cuando.

Quedémonos aquí, cuando la saeta es todavía un pájaro volantón, viento sin cuerpo, ala acostumbrándose al aire, notas sin completar, grito haciéndose.

Quedémonos aquí, cuando los romanos no saben todavía que galas ponerse para esa semana en la que serán la única tropa a la que aplaudan quienes somos sus morales enemigos. Quedémonos aquí, cuando los sayones aún no saben abofetear, flagelar, señalar, mofarse de un muchacho nacido en Belén, ante el que los siglos siguen santiguándose.

Quedémonos aquí, cuando ninguno de los doce sabe que esa cena será la última, cuando nadie, salvo Él, sabe que la pernocta en el Getsemaní acabará rota de silencio cuando Judas por treinta monedas venda al hijo del Hombre. Quedémonos aquí, cuando las dolorosas no saben que manto ponerse para ir a llorar al llanto absoluto, que toca echarse por encima para cruzar una madrugá de frío, de luto, ¿con qué corona ceñir una frente ya marchita por la pena?

Quedémonos aquí, cuando Longinos no sabe todavía que la punta de su lanza va a ser cáliz goteante cuando salga del costado de Jesús. Quedémonos aquí, cuando el Nazareno no sabe que va a tropezar tres veces en la calle de la Amargura. Cuando Simón de Cirene no sabe que se encontrará un hombre que no puede con la cruz y tendrá que ayudarle.

Quedémonos aquí, Sevilla haciéndose, porque es así como se asiste al divino espectáculo del Génesis con una sola frase de Dios: hágase la Semana Santa de Sevilla.

Texto: Antonio García Barbeito

Sobre Cálices...

Hoy haciendo zapping en la tele, me he tropezado con una sorpresa. En Colón a Rouco Varela celebrando el día de la Familia. Aunque este no es nuestro objetivo para este momento, la peculiaridad está en un detalle, el cáliz utilizado en la celebración.

He traído una imagen tomada cutremente al televisor, lo sé, no está a la altura del blog, pero en espera de una mejor imagen que vendrá después, esta es la que nos da pie para hablar sobre este tipo de cáliz.

Consta de un pie circular adornado por cuatro botones de esmaltes. El arranque del astíl se realiza por una estructura cilíndrica adornada por incisiones con motivos vegetales para dar paso a un dominante gollete decorado igualmente por cuatro botones de esmaltes. El astíl se estrecha para sostener la subcopa levemente abombada y con cuatro gallones quedando libre de decoración el resto de la copa luciendo toda la pieza el material argenteo. Su esquema emana conceptos arquitectónicos y hacen de el una pieza clásica del primer barroco muy difundido en nuestro país.

Apenas puedo apreciar más detalles de la pieza pero me ha llamado mucho la atención y en la creencia de que sea una pieza con antigüedad me atrevería incluso a darle una horquilla de su factura entre 1620 y 1680, y por concretar más en torno a 1650.

Añado otras piezas de similares características.

*Estas fotografías pertenecen a la docencia del Dr. Sánchez-La Fuente Gémar en la UMA en la asignatura Artes Decorativas

La platería en las catedrales...

SÁNCHEZ-LAFUENTE GÉMAR, Rafael, “La platería en las catedrales. Del tesoro medieval a la acumulación contrarreformista” en Estudios de platería San Eloy 2005, Universidad de Murcia, 2005.


RESUMEN INFORMATIVO:

El ajuar de los templos cristianos llega a ser de tal dimensión que es necesario disponer de una estancia o cámara denominada tesoro (Thesaurum) donde se custodiaban los objetos de ajuar eclesiástico, reliquias y documentos de propiedad. La proliferación de este tipo de ajuar para los templos se afianza con el coleccionismo privado y la Contrarreforma especializándose en lo cultual y litúrgico. Al mismo tiempo este tipo de inversión serviría como aval para en caso de necesidad, fundirlo a moneda.

Lejos de una intención ordenada de los fondos, los tesoros se destacan por su amplio y desordenada disposición de sus fondos. En ellos se valora su funcionalidad y utilidad, riqueza material y objetos peculiares mientras que en el coleccionismo privado primará el placer estético e intelectual que aporta al poseedor privado que disfruta con su contemplación más que con su posesión. Curioso queda la convivencia de objetos sagrados y profanos en los tesoros catedralicios, muestra que sirve para justificar el acopie indiscriminado de las piezas que señalaremos.

La proliferación de reliquias, algunas de más que dudosa procedencia, contribuyó a la realización de soportes contenedores de estas. Otras veces se diseccionaban los restos incorruptos de santos para crear nuevas reliquias y difundir su culto y devoción por otros puntos de la península por lo que el comercio de reliquias aumentó considerablemente.

En diversos puntos de la península han destacado reliquias que han dotado al templo de un prestigio y referencia en la península. Esta era precisamente la finalidad de la acumulación de las reliquias ya que dotaban al templo de un prestigio espiritual y político singular. Despunta el conjunto de la Cámara Santa de Oviedo que además se distingue por una doble función de tesoro catedralicio y oratorio regio.

Santiago, Sevilla y Toledo serán las que primeramente destaquen en hacerse con unos fondos importantes de platería, joyería y bordados con aplicaciones de joyas. El auge del coleccionismo laico no mermará la producción de nuevas piezas cultuales para las catedrales. En estos momentos se desusa el tesoro como cámara destinada a la custodia de estas piezas y proliferará la Sacristía mayor catedralicia para el cobijo de estos enseres. La actitud contrareformista y trentina hará sumar a las labores de platería y joyería las de la decoración de los interiores y altares eucarísticos efímeros para poner en funcionamiento la maquinaria barroca que deberá de impactar al fiel. A esto sumamos la proliferación de oro y plata procedente de América que hará disponer de mayor materia prima para sus facturas. Una de las razones que potencien el aumento cultual es la proliferación y auge de las fiestas eucarísticas del Corpus, destacando el sagrario de la Catedral de Sevilla de francisco de Alfaro (1593) y las custodias de asiento para el culto de exhibición y catequética pública en las calles. Esta primavera artística de piezas se extiende también a parroquias más humildes pero que en ocasiones acopian piezas de referencia artística. La acumulación de estos enseres hará crear estancias para su exposición como capillas de reliquias o armarios repletos de estas piezas. La Contrarreforma logró el mejor ambiente para aumentar estos fondos que en el siglo XVIII se seguirá incrementando gracias al aumento votivo del culto a la Virgen y los Santos.

En la Edad Media, el mecenazgo para la factura de las piezas que venimos anotando, es fundamentalmente gracias al patronato de los monarcas que servirá de promoción regia y como señal para afianzar su autoridad sobre el pueblo. Destacan Alfonso II y Alfonso III, y sobre todo la reina Isabel la Católica, que con sus generosas donaciones dotó a las tierras conquistadas de un preciado ajuar para el culto. Más tardío, en la Edad Moderna, destacará el patrocinio de los obispos que no solo dotaban a su sede de prestigio sino a ellos personalmente tomándolo como una función, responsabilidad y obligación de su labor de prelado. La actividad de los cabildos catedralicios fue otra fuente de patrocinio de este tipo de obras artísticas no solo en el encargo de nuevas facturas sino en la labor de disponer en el personal laboral de un platero que labrara piezas nuevas y que además “restaurara” piezas ya existentes y se ocupara de su conservación, limpieza… aunque esto no era impedimento para a la hora de buscar al artista para una obra, pensar en las manos más celebres del momento con lo cual no solo daba certeza sobre la calidad de la pieza sino dotaba de prestigio al cabildo y al templo catedralicio. También se observa la influencia y lazos familiares entre canónigos y artistas que condicionaron algunos encargos.

Estas obras corrían el peligro de ser fundidas por diferentes razones. Una de ellas sería las de utilizarlas como base para nuevas obras por razones de moda o adecuación a nuevas formas litúrgicas. Otra razón era la fundición para pagos, incautaciones de tesoros por los mismos monarcas que en la Edad Media propiciaban su realización, llegado el momento de necesidad ante campañas militares no dudaban en argumentar y dar razones para su fundido en monedas de plata, aunque hubo el caso como en los Reyes Católicos que una vez pasada la penuria económica invirtieron y trataron de reponer con creces las piezas sustraídas. Por tanto este tipo de patrocinio era a su vez una fuente de inversión disponible en los momentos de necesidad. Quizás los momentos de más expolio pudiera ser en la época de conflictos con Francia (1795 y 1810). Las guerras contra la Convención francesa (1795), la época de expropiación de bienes para bien llevarlos a Francia o bien fundirlos, la misma guerra de la Independencia fueron momentos del requise y saqueo con el fin de utilizarlo como moneda. Algunas Catedrales como las de Sevilla o Granada tuvieron que ceder en más de una ocasión piezas aunque otras, como la de Málaga, se justificó con moneda directamente pero no quedó exenta de expolios y saqueos a manos de los franceses posteriormente. La pérdida de estas obras no termina aquí ya que en siglos posteriores vuelven a exponerse a desamortizaciones, revueltas anticlericales y a la misma Guerra Civil española donde no solo en el periodo bélico sufrió robos sacrílegos sino que en la postguerra tuvieron que malvenderse piezas para poder pagar deudas y cubrir necesidades.

Santa María la Real, del Naranco

Santa María del Naranco. Oviedo. Arte prerrománico. Mediados siglo IX

La iglesia de Santa María del Naranco es uno de los referentes del patrimonio artístico de nuestro país. Edificada bajo el reinado de Ramiro I fue concebido como palacio de cacerías y parte de un complejo palatino. Su similitud con la estructura de templos clásicos hace que para unos sea vértice entre el ocaso del arte romano o bien los comienzos del arte románico.

Su estructura de planta rectangular consta de dos plantas. La inferior abovedada a modo de cripta con arcos transversales dividida en cinco tramos recuerda la estructura de la cámara Santa de Oviedo. La planta superior, más alta, está concebida con un gran salón. A este se accedería por una escalera a dos vertientes adosadas a lo largo del edificio orientado al norte. Al lado opuesto se ubicaría un mirador. En su interior cada arco de medio punto que cubren la sala de audiencias que se corresponde con contrafuertes adosados en su exterior. Su techumbre es cubierta por un tejado a dos aguas por lo que en el ancho del edificio, en su fachada, luce una estructura a modo de frontón que cubre tres vanos con arcos de medio punto.

El mirador consta de un gran vano dividido en tres por arcos de medio punto consecutivos donde la línea de imposta está peraltada por un módulo que es sostenido por dos columnas sogueadas con capiteles corintios. El arco central es levemente más alto que los otros dos que lo flanquean. A la altura de las columnas en el plano superior se sitúan dos rosetones.

En el largo del edificio, mutilado por la pérdida de su mirador, se disponen ocho contrafuertes adosados. Entre estos se abren seis vanos de medio punto. Los dos más extremos se corresponden con otro de menor tamaño en su planta inferior.

El material utilizado es la piedra de tamaño irregular, más cuidada en las partes sustentantes como ángulos y contrafuertes y de diverso calibre en el resto del paramento. La esbeltez y proporcionalidad del edificio dotan a este de un espíritu sobrio y regio a la vez.

El recinto queda sacralizado como iglesia dedicada a Santa María por razones desconocidas.

Como final a esta presentación os dejo este video, merece la pena verlo y sobre todo escucharlo.

Sobre escaleras...

La escalera es un elemento de transición, algo así como un purgatorio entre dos estancias. Escaleras que invitan a bajar o a subir. Una escalera peculiar y distinguida es la escalera del vestíbulo de la biblioteca laureciana de Florencia, diseñada por Miguel Ángel Bounarrotti en 1559 y construída por Vasari y Ammanati. Escalera que invita a su recorrido, escalera que comunica la estancia superior en un derrame petreo con el que recuerda la erupción de la sabiduría de la biblioteca, el gran volcán de conocimientos. Habrá que hacer capítulos para que hablemos de ellas, algo que usamos diariamente y que a veces no hemos reparado en la trascendencia artística de muchas de estas.

Esperanza...

Lo sé. Sois pocos los que seguís este blog pero más de uno me reclama que lo actualice. No se con qué intención pero aquí va. Hoy es un día distinto. Distinto que no diferente. Distinto porque lo distingue ser un día especial para mi. No es por la prueba de identificación de imágenes ni por la explicación del arte asturiano, sino porque hoy, 18 de diciembre, es el DÍA DE LA ESPERANZA. Hoy deriva este blog de lo académico hacia lo sentimental. Hacia ese arte efímero de sentimientos que cada primavera se renueva siendo seña identificatoria del sentir de gran parte de los españoles y con mucho más énfasis de los andaluces. El día de la Esperanza es un día especial. La Esperanza está en Málaga. Baja para ponerse a nuestra altura. La verdad es que se podría decir mucho y poco a la vez pero como siempre, la imagen evocará en los lectores mucha más prosa que la que os pueda transmitir. Una vez escuché a un carmelita conocido en nuestra ciudad, el Padre Zurita, que con su clarividencia en frases célebres decía: “una Madre nunca termina de parir a su hijo”. ¡Qué verdad más grande! En esa frase se encierra todo un volumen de filosofía real de la vida. Medítenla, ¿acaso no supera uno notablemente y una madre sigue el dolor de su hijo? Alegrías y penas, salud y enfermedad. “Abrígate que hace frio” “No corras”… Es tan intenso el dolor en el interior y el sentirlo carne de su carne que un hijo se convierte en el centro vital. No sigo, seguid vosotros…
Prometo volver pronto…

Renacimiento y Renacimientos...

¿Acaso no está claro? Justo en el momento adecuado, oculto por siglos, el torso vuelve a la vida. Resucitado y profanado su tumba del Campo de’ Fiori, y exorcitado bajo el dominio del gran Julio II, el torso del Belvedere renueva su fuerza a principios del siglo XVI. Es quizás una de las muestras más clarificadoras del sentimiento Renacentista ya que su influencia en escultura y pintura es aplastante. Una simple muestra os traigo con la comparativa del fresco del florentino para la Capilla Sixtina. Obsérvese a San Bartolomé y a Jesús y compárese con nuestro preciado torso. Torso atribuido a la creación de Apolonio de Tralles en el que la flexión corporal contiene todo un estudio anatómico de musculatura y tensión corporal. ¿Hubiésemos preferido que llegara completo hasta nuestros días? Dejo esta cuestión para su respuesta personal aunque yo me atrevería a decir que con lo poco-mucho que nos ha llegado consigue la satisfacción y sacia el alma del deleite artístico. Su simple contorno pudiera ser un logotipo bastante identificativo y personal. ¿Y si termino con el Laocoonte?

Sobre proporciones...

Hoy quería escribir sobre proporciones. Buscando anotaciones sobre este tema he sido redirigido inevitablemente a cálculos matemáticos. Y es que esta es la base de nuestro oficio. La proporción es “una igualdad entre dos razones”. Sin embargo en gran parte toda la Historia del Arte la proporción ha sido el reto, uso y costumbre del lenguaje. El número áureo o de oro (también llamado número dorado, sección áurea, razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea y divina proporción) representado por la letra griega f (fi) (en honor al escultor griego Fidias) véase en wikipedia “numero áureo” En cualquier cosa cotidiana vemos el resultado de siglos de estudios numéricos sobre este tema: las pulgadas de un televisor o su monitor de ordenador, dimensiones de un paquete de tabaco, tamaño de cualquier fotografía que guarde sin caer en la cuenta sobre el peso de su proporción altura-ancho. Presento pues, un primer vistazo a esta cuestión con una mirada a la cúpula de San Pedro del Vaticano. Cúpula y su conjunto ya que en su interior el espacio desvirtúa la capacidad del ojo para descifrar las cifras reales de la métrica utilizada para pechinas, arcos, tambor… Desvirtuando la métrica razonada, desvirtuando la proporción matemática, adaptamos la métrica a la proporción de la razón humana. Cuando nos encontramos en su interior y observamos las medidas de los elementos la sensación es de incredulidad y de vértigo. La pesadez de la cúpula queda evadida por el amplio espacio interior. Su tambor eleva esta y al mismo tiempo la ata a la tierra. El espacio de la bóveda celeste evocando a la vida eterna se ancla a la tierra en esos cuatro puntos evocando la realidad terrena. Cuando nos situamos en una disposición fuera de lo común comprobamos el vértigo real de la construcción. Para ello os traigo una fotografía realizada desde los pies del tambor al interior donde el dominante Baldaquino Petrino queda insignificante ante el espacio concentrado en el interior, sensación distinta si estuviésemos en el piso. Obsérvese el pequeño tamaño de los visitantes que deambulan por su interior. Prometo que este tema volverá a ser objeto de revisión y ampliación en este blog.

Utilitas...

¿Acarreo o despotismo artístico? En cualquier otro lugar del mundo, una pieza como esta pudiera ser el motivo central o una de las piezas claves de referencia en cualquier exposición museistica, sin embargo, la embriaguez artística romana hace que una placa procedente de algún templo de los foros imperiales fuera usada como estructura de un vano para sostener la maquinaria de un aire acondicionado. Se le suma el delito de que parte de este palacio, el Palacio Venezia, fue trasladado y retranqueado unos metros por lo que concretamente esta parte del palacio data de principios del XX. Ya me gustaría a mi, poder tener un aire acondicionado en un mármol como este...

El Espinario

Para hablar del espinario podriamos dedicarle un blog entero con actualizaciones y ampliaciones diarias. Si nos remitimos a su origen, podríamos decir que se trata de un bronce del siglo I antes de Cristo, creado con la técnica de la cera perdida cuyas dimensiones se limitan a 73 cm. Como pieza es un revulsivo para su época ya que combina conocimientos de diferentes momentos, mezcla de lo griego clásico y de las nuevas facturas romanas ya que probablemente naciera en la ciudad eterna.

Otra cualidad es la cristianización de este modelo. Fue durante el barroco donde el modelo del niño de la espina tuvo gran devoción. La piedad popular ungió el momento apócrifo en el que el niño Jesús se pincha con una espina, presagio de su pasión y corona de espinas. La pieza que os traigo es el Dulce Nombre que posee mi cofradía obra de Luís Álvarez Duarte.

La pieza original de bronce además marca un hito histórico ya que es una de las piezas que Sixto IV restituye a la ciudad de Roma. El espinario se había convertido en una seña de identidad de la Roma clásica y el pontífice la dona junto a otros bronces como la loba capitolina para fundar los Museos Capitolinos en 1471. Puede usted disfrutarla en la sala de los Triunfos del palacio de los Conservadores. Por supuesto en Roma.